Gut aussehen – Geschmack und Schönheit im Kunstunterricht

Herausgeber_innen: Simon Harder und Carmen Mörsch

Die zehnte Ausgabe des ejournal Art Education Research widmet sich dem Thema der Netzwerkveranstaltung Persönlichkeitsverwicklung #3: Gut aussehen – Geschmack und Schönheit im Kunstunterricht. Verantwortet vom Institute for Art Education, fand sie im Juni 2014 an der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) statt. Im Zentrum stand einerseits die Frage, wie Geschmacksnormen Kunstunterricht prägen und dabei normierend wirken. Andererseits interessierte, wie Kunstunterricht zu einem Raum werden kann, in dem ebensolche Normen und Normierungsprozesse in den Blick genommen, bearbeitet und möglicherweise verschoben werden können. Dafür wurden Referent_innen mit Schwerpunkten in den Bereichen Kulturwissenschaft, Kunstsoziologie, kritische Kunstvermittlung in Theorie und Praxis, Aktivismus, Politikwissenschaft, DisAbility Studies- und Queer-feministische Theorie oder Kunst eingeladen. Das ejournal No. 10 greift die Fäden auf, welche die Referent_innen mit ihren Inputs gelegt haben. Wir freuen uns, dass wir sie für einen Beitrag zu diesem ejournal gewinnen konnten, in welchem sie ihre Perspektive auf das Thema zu lesen geben und dadurch dessen Relevanz für Kunstvermittlung greifbar machen.

Im Rahmen der Schweizer Ausbildung zur Lehrperson für das Fach Kunst an Gymnasien, das hier Bildnerisches Gestalten (BG) genannt wird, findet pro Semester eine Netzwerkveranstaltung, eine Kooperationsveranstaltung der vier deutschsprachigen Kunsthochschulen, statt. Diese wechseln sich in der Organisation ab, wobei die ZHdK alle zwei Jahre an die Reihe kommt. Hier hat das am Departement Kulturanalysen und Vermittlung angesiedelte Institute for Art Education (IAE) den Auftrag, im Bereich Kunstvermittlung Forschung und Lehre zu verbinden. Auch diese dritte Netzwerkveranstaltung widmeten Carmen Mörsch als Modulverantwortliche, Nora Landkammer und die beteiligten Dozierenden dem Motto Persönlichkeitsverwicklung und nahmen im Sinne der Arbeitsprinzipien des IAE aus einer herrschaftskritischen Perspektive Hierarchien und Zugehörigkeitskategorien ins Visier, die mitunter durch die Wiederholung von Geschmacksurteilen oder Schönheitsidealen konstruiert, stabilisiert und fortgeschrieben werden. Jugendliche (und nicht nur sie) stehen unter dem Druck gut auszusehen: zum Beispiel in Bezug auf Styles, Körperformen und Körperpraktiken. Kunst wiederum produziert ihrerseits Ein- und Ausschlüsse: ‚Geschmack‘ und ‚Begabung‘ sind nicht angeboren, sondern werden zunächst im Elternhaus erworben (oder eben nicht) und später z.B. in Peergroups verhandelt und weiterentwickelt. An der Netzwerkveranstaltung lieferten deshalb Inputs aus verschiedenen Perspektiven die Verknüpfung von Geschmack, Style, Begabung und sozialer Ungleichheit. Diese Analysen wurden in Lektüregruppen vertieft. Ein Panel mit erfahrenen BG-Lehrpersonen diskutierte zu Geschmack und Bewertung, zum Verhältnis zwischen dem ästhetischen Kanon des BG Unterrichts und jugendkulturellen Stilen und zum BG-Unterricht als potentiellem Raum zur Bearbeitung von Diskriminierungspraktiken wie Lookism [1] oder Modemobbing. Schliesslich wurden in Workshops verschiedene künstlerisch-edukative Bearbeitungsweisen aufgezeigt und für den Kunstunterricht weitergedacht.

Sowohl während der Paneldiskussion am ersten Veranstaltungstag, als auch im Kontakt mit dem Berufsfeld zeigt sich deutlich, dass ein kultur- und machtkritischer Zugang zum Fach BG im Allgemeinen und zu Geschmack und Schönheit als gesellschaftlich wirkmächtige Distinktionsfunktionen im Besonderen alles andere als selbstverständlich sind. Seidenmalerei, Salzteigfiguren, Makrame, Laminier-Technik, Sonnenuntergänge mit oder ohne Delfine, Marmorieren, Mangafiguren, Malen nach Zahlen, usw.: Die Liste der meist selbstverständlich verpönten Techniken und Motive wäre lang. Die Fragen, weshalb diese Wertung im Berufsfeld beinahe selbstverständlich gültig ist, wem diese Wertung eigentlich dient und auf wessen Kosten sie geschieht, werden sehr selten gestellt. Vielleicht werden sie ähnlich selten thematisiert wie solche, die das scheinbar selbstverständlich gültige kanonisierte Wissen über Kunst in Zweifel ziehen und danach fragen, für wen der Kunstkanon spricht, wer dadurch gehört wird, wessen Perspektiven damit sichtbar werden und welche nicht. Und: Auch repräsentations- und medienkritische Positionen, die sich für den Zusammenhang von Macht und Form interessieren (vgl. z.B. Schade/Wenk 2011: 98ff.), sind im Schweizer Berufsfeld der Lehrer_innen für BG an Gymnasien eher selten anzutreffen. Warum ist das so? Ich möchte eine Vermutung skizzieren: Das Fach BG nimmt im gymnasialen Fächerkanon eine untergeordnete Stellung ein, was sich etwa in der Entlohnung der Fachlehrkräfte ausdrückt. Gleichwohl bietet das Gymnasium als staatliche Institution auch vielen Lehrkräften für BG feudale, oft unbefristete Arbeitsbedingungen. Diese aufzugeben oder zu gefährden überlegt sich eine_r wohl gut. Wenn in diesem Fach Geschmack in Zusammenhang mit «symbolischer Herrschaft» gestellt wird, also mit «Formen und Modi der Herrschaft, die über Kultur, über die Sichtweisen der Welt, über die Selbstverständlichkeiten unseres Denkens und damit über jene gesellschaftlichen Institutionen vermittelt sind, die Kultur produzieren» (Krais/Gebauer 2002: 10), und deutlich wird, «wie das Vermögen des Geschmacks […] für den Gewinn von symbolischen Profiten eingesetzt […][wird], ja noch mehr: dass die Gesellschaft in hohem Maße über Geschmacksurteile funktioniert, insofern Zusammenhalt und Differenzierung sozialer Klassen mit Hilfe geschmacklicher Zustimmung und Ablehnung zustande kommen» (ebd.), so wird dies zuerst eine Verunsicherung der eigenen Perspektive zur Folge haben. Diese jedoch wird auch die Institution erfassen, da diese Auseinandersetzung an den Grenzen des institutionellen Horizonts arbeitet. Das ist für eine_n riskant, da es nicht nur für ihn_sie sondern auch für die Institution bedrohlich sein wird und es einfacher scheint, den_die Störenfried_in aus dem Raum zu schaffen, wie es Sara Ahmed in ihrem Aufsatz Feminist Killjoys (And Other Willful Subjects) in Bezug auf Feminismus eindrücklich beschreibt. Dabei versteht sie Feminismus als komplexes aktivistisches Feld, als einen ‚Welt‘-Zugang und als «object of feeling». Ein_e Feminist_in sitzt am Familientisch: «Someone says something you consider problematic. You are becoming tense; it is becoming tense. […] In speaking up or speaking out, you upset the situation. That you have described what was said by another as a problem means you have created a problem. You become the problem you create» (Ahmed 2010: 1). Zwar wird die Infragestellung von als selbstverständlich geltenden Kategorien wie Geschmack aber auch z.B. Geschlecht beunruhigend, womöglich auch beängstigend sein, und es ist mit Butler davon auszugehen, dass die daraus resultierenden Erkenntnisse nicht auf Beruhigung zielen (vgl. Butler 2001), zumal inkorporierte Kategorien auf dem Spiel stehen, an denen sich unsere Wahrnehmung oder unsere Interaktionen wesentlich orientieren. Doch diese (nicht immer bewusste) Angst darf nicht dazu führen, sich auf eine vermeintlich ‚neutrale‘ Position zurückzuziehen, eine wiederholt im Zusammenhang mit Schule geäusserte Erwartung, da damit bestehende soziale Ungleichheiten dethematisiert, aufrechterhalten, Alternativen verworfen werden, die Kritik bzw. Forderungen ungehört und Bereiche des Unaussprechlichen weiterhin unerhört bleiben. Vielmehr könnte gerade die Sicherheit, die eine institutionalisierte Position zur Zeit verspricht, sowohl der Institution selbst aber auch der von ihr angestellten Einzelpersonen, dazu genutzt werden, das Fach BG aus seiner beinahe vollständigen Entpolitisierung zu lösen und es um politische Dimensionen zu bereichern – gerade durch eine lustvolle Arbeit an der Form, aus der sowohl die Lehrenden, die Lernenden und auch die Institution verändert hervorgehen werden. Das vorliegende ejournal nimmt sich Raum, einer solchen Utopie nachzugehen, denkt dabei Theorie und Praxis als untrennbar miteinander verbunden. Vor diesem Hintergrund zeichnet sich die Komplexität der Thematik ab, der die hier versammelten Texte je exemplarisch, also kontextspezifisch und perspektivisch nachgehen.

Wir wünschen eine anregende Lektüre.

Simon Harder für das Redaktionsteam

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Musikpädagogische Forschung: Positionen und Arbeiten aus dem deutschsprachigen Raum

Herausgeber_innen: Olivier Blanchard und Carmen Mörsch

Die vorliegenden Ausgabe des e-Journal Art Education Research gibt einen Überblick über das wissenschaftliche Feld der Musikpädagogik im deutschsprachigen Raum mit Fokus auf die für das Institute for Art Education (IAE) der Zürcher Hochschule der Künste interessanten Positionen und Arbeiten.
Anders als auf der bildungspolitischen Ebene, wo im Rahmen der Entstehung des für alle deutschsprachigen Kantone einheitlichen Lehrplans 21 zurzeit rege diskutiert wird, verzeichnet die Musikpädagogik als wissenschaftliche Disziplin und als Forschungsfeld in der Schweiz bislang wenig Aktivität. Deshalb wurde am Forschungslabor für Künste an Schulen (FLAKS) des IAE zwischen Sommer 2012 und Dezember 2014 das bestehende internationale wissenschaftliche Feld der Musikpädagogik sondiert.
In diesem Kontext wurde in Kooperation mit dem Master Musikpädagogik der Zürcher Hochschule der Künste die Vortragsreihe «Musikpädagogische Forschung zu Gast an der ZHdK» ins Leben gerufen, bei welcher Forschende aus dem deutschsprachigen Raum ihre Ansätze vorstellen und diskutieren.
Ebenfalls im Zusammenhang mit dieser Stelle wurde von Olivier Blanchard und Jürg Huber in Zusammenarbeit mit Andreas Bürgisser eine explorative Studie zum schulmusikalischen Praxisfeld in der Deutschschweiz durchgeführt. Ziel dieser Studie war es, sich dem von den Lehrpersonen intendierten Musikunterricht an Deutschschweizer Sekundarschulen und Gymnasien anzunähern und damit den Diskurs um eine Position zu ergänzen, die bislang unberücksichtigt blieb. Die Arbeit wird in der vorliegenden Ausgabe im Beitrag «Zwischen Kanon und Soziokultur» vorgestellt. Dieser gibt Einblicke in persönlichen Haltungen, Zielsetzungen, Fachbegründungen, Fachstrukturen, Methoden, Rahmenbedingungen des Unterrichts und Kulturkonzepte der Lehrpersonen. Auch zeigt sich, dass einige Lehrpersonen eine hohe Sensibilität für die Diversität und die fachliche Heterogenität der Schüler_innen haben und ihren Unterricht teilweise fast ausschliesslich gemäss diesen Faktoren konzipieren.

Die weiteren Texte dieser Ausgabe zeigen eine Auswahl aus den Positionen, die im Rahmen der Vortragsreihe «Musikpädagogische Forschung zu Gast an der ZHdK» vorgestellt wurden. Sie sollen einen Einblick in die musikpädagogische Forschung im deutschsprachigen Raum geben. Bei der Auswahl war es uns wichtig Arbeiten zu berücksichtigen, die mit Fragestellungen, die am IAE in anderen Bereichen bearbeitet werden, korrespondieren. Dies betrifft Überlegungen, die Musikpädagogik an Fragen und Paradigmen der Kulturwissenschaften anzubinden (Vogt); Überlegungen, konstruktivistische Ansätze für den Musikunterricht fruchtbar zu machen, was eine Kritik am Bildungsverständnis im Sinne von Wissensanhäufung, die in sequentiell organisierten Lernschritten organisiert werden kann, impliziert (Rolle, Krause-Benz); Überlegungen zum Umgang mit der (musik-)
kulturellen Vielfalt im Unterricht, die damit verbundene Identitätskonstruktion der Schüler_innen und damit eine Kritik am normativen und holistischen Verständnis von «Kultur» (Barth) und schliesslich Überlegungen, die Diversität der Musiklehrer_innen, anstatt durch normative Setzungen in Fachdidaktiken minimieren zu wollen, für den Unterricht produktiv zu nutzen (Niessen).

Jürgen Vogt steuert in seinem Text metatheoretische Überlegungen über den Status der Musikpädagogischen Forschung bei. Er fragt, was für eine Art von Wissenschaft Musikpädagogik sei und stellt fest, dass sie sich – zumindest in Deutschland – vermehrt auf empirische Bildungsforschung konzentriert und dabei auf das Methodenrepertoire der empirischen Sozialwissenschaften zugreift. Demgegenüber stellt Jürgen Vogt Überlegungen zur Möglichkeit an, Musikpädagogik als kritische Kulturwissenschaft zu sehen. Diese Überlegungen erläutert er anhand des kulturwissenschaftlichen «Umbrella Terms» der «Performanz» und zeigt dabei auf, wie gerade die Kunsthochschule, die Performanzexpert_innen aller Art versammelt, ein prädestinierter Ort zur interdisziplinären Erforschung der Schulmusik als Performativität eigener Art sein kann.

Der Text von Christian Rolle entfaltet das Bildungspotential des ästhetischen Streits im Unterricht. Die Beschreibung der Charakteristika des ästhetischen Streits wird dafür verknüpft mit Überlegungen zu (angemessenen) Arten des Sprechens über Musik. Die Erörterung der grundsätzlichen Frage, inwiefern musikalische Erfahrungen etwas zur Bildung – verstanden als Transformationsprozess – beitragen können, bietet in den Überlegungen des Autors die Grundlage, um die Voraussetzungen fassen zu können, unter denen ästhetisches Streiten im Musikunterricht sein Bildungspotential entfaltet. Abschliessend wird danach gefragt, wie ästhetischer Streit im Unterricht initiiert werden kann.

Der Beitrag von Martina Krause-Benz befasst sich mit dem Bildungspotential eines Musikunterrichts, in dem musikbezogene Bedeutung konstruiert wird. Der Begriff «Bedeutung» wird dabei konstruktivistisch fundiert. Der «gemässigte Konstruktivismus» nach Siegfried J. Schmidt (1994) berücksichtigt bei der Bedeutungskonstruktion den sozialen Rahmen, in den das Individuum eingebunden ist. In diesem Zusammenhang muss eine Begründung einer Bedeutungszuweisung immer intersubjektiv nachvollziehbar sein. Damit wird der schulische Musikunterricht gemäss der Autorin zu einem prädestinierten Ort für die Konstruktion von Bedeutung, da Individuen mit unterschiedlichen, bereits erzeugten Bedeutungen von Musik aufeinandertreffen, welche die Bedeutungen der anderen jeweils perturbieren. So können ihr zufolge bestehende Konstrukte erweitert oder verändert und somit Bildungsprozesse angebahnt werden.

Dorothee Barth fragt in ihrem Text, welchen Beitrag die «Interkulturelle Musikpädagogik» zu dem leisten kann, was sie als Ausbildung einer «stabilen, ausbalancierten kulturellen Identität» bezeichnet. Barth bezieht sich für den Begriff der Identität auf einen (post-)modernen Ansatz, bei dem diese als relationales Konstrukt gesehen wird, welches Momente der Reflexion und der Situierung im sozialen Raum beinhaltet. Kultur versteht Barth im Sinne von geteilten Sinndeutungen gemäss eines bedeutungsorientierten Kulturbegriffes nach Reckwitz (2000). Dieses Verständnis zwingt weder Migrant_innen, sich an traditioneller Musik ihres Herkunftslandes orientieren zu müssen, noch fordert es von Kindern und Jugendlichen der Mehrheitsgesellschaft, ihre eigene musikkulturellen Wurzeln in der «abendländischen Kunstmusik» zu suchen. Schliesslich führt die Autorin aus, wie die referierten Theorien im Unterricht ihrer Meinung nach berücksichtigt werden müssten, um die Schüler_innen zu einer offenen Identitätsbildung mit mehreren musikalisch-kulturellen Zugehörigkeitsgefühlen heranzuführen und dabei zudem zu einem respektvollen Umgang mit anderen Identitäten beizutragen.

Anne Niessen hat sich als eine der ersten im deutschsprachigen Raum mit dem Nachdenken von Musiklehrpersonen über deren Unterricht bzw. deren Unterrichtsplanung befasst. Ihr Text gibt einen Einblick in eine qualitativ-empirische Studie zu Individualkonzepten von Musiklehrpersonen. Interviews zur Planung von Musikunterricht wurden mit den biographischen Hintergründen der befragten Personen in Beziehung gesetzt. Es zeigt sich, dass einerseits die Individualkonzepte nur im Kontext der jeweiligen Biographie zu verstehen sind und andererseits die Individualkonzepte für die Konstruktion der eigenen Biographie die Funktionen des Strukturierens und Fruchtbarmachens der eigenen Erfahrungen erfüllen. Angesichts der Ergebnisse ihrer Studie formuliert die Autorin die Anliegen, dass in der Ausbildung zur Musiklehrperson biographische Einflussfaktoren stärker und spätere Arbeitsbedingungen früher thematisiert werden sollen, und Probleme, auf die Lehrer_innen beim Unterrichten stossen, in Lerndiskrepanzen umgedeutet werden sollten.

Olivier Blanchard und Jürg Huber stellen in ihrem Beitrag eine explorative Studie über den Musikunterricht an Sekundarschulen und Gymnasien der Deutschschweiz vor. Es ging bei dieser Arbeit darum, einen Einblick in das Denken von Lehrpersonen bezüglich ihres Unterrichts zu erhalten und Fragen für weiterführende Forschungsprojekte zu entwickeln. Dabei wurden Lehrpersonen, mit ihren Lehrplänen als Befragungsgrundlage, online zu ihrem Musikunterricht befragt. Es zeigte sich, dass Lehrpersonen auf der Sekundarstufe I eine hohe Sensibilität für die Ansprüche, Fähigkeiten und Interessen ihrer Schüler_innen haben und den Unterricht entsprechend nach den Rahmenbedingungen ausrichten. Auf der Sekundarstufe II wird der Unterricht mehr auf die Ziele des Lehrplans ausgerichtet. Dennoch lassen sich auf dieser Stufe kontrastierende Typen von Lehrpersonen beschreiben, die verschiedene methodisch-didaktische Haltungen im Musikunterricht vertreten.

Nun hoffe ich, mit dieser Ausgabe einen Anstoss für eine Diskussion über mögliche Fragen und eine mögliche wissenschaftliche Ausrichtung der musikpädagogischen Forschung in der Schweiz geben zu können und wünsche allen Leser_innen eine anregende Lektüre.

Rückmeldungen zu dieser Ausgabe können gerne an Olivier Blanchard (blanchardoli@edufr.ch) gerichtet werden.
Wir wünschen eine anregende Lektüre!

Zu den Texten 

Literatur

Reckwitz, Andreas (2000): Die Transformation der Kulturtheorien. Zur Entwicklung eines Theorieprogramms, Weilerswist: Velbrück Wissenschaft.

Schmidt, Siegfried J. (1994): Kognitive Autonomie und soziale Orientierung. Konstruktivistische Bemerkungen zum Zusammenhang von Kognition, Kommunikation, Medien und Kultur, Frankfurt a. M.: Suhrkamp.

Redaktion
Olivier Blanchard

Bild und Layout der Texte
Anne Gruber